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2007-02-28
前往秋天 - [老酒]
很少看韩国电影，所以有理由相信，看到《前往秋天》这部片子不是偶然。不多看韩国电影并不是不喜欢，实际上，这段时间我都很少看电影了。或许是老了吧。
和人一样，好电影是有灵魂的。德·西卡在筹拍《偷自行车的人》时，美国的制片商们曾要提供数百万巨资来制作该片，但条件是由好莱坞的明星来主演此片。德·西卡拒绝了（在今天看来这简直是疯了！），他在罗马的失业市场找到了一个真正的失业工人来演安东。我相信，他把电影送到了一个现代电影制作工业永远无法理解的审美当中，我们可以称之为“诗意的现实”。看到《前往秋天》的时候，我想到这几个字，就是：“诗意的现实”。诸位，除了这几个字，《偷自行车的人》和《前往秋天》再无任何关联了。随着我们生存秩序的不断更迭，生活方式不断改进，怀旧情绪就不断滋长，所以，有些东西历久弥香的事情就会不断发生，就像我们怀念《偷自行车的人》或者《天堂电影院》。
让·鲍德里亚早在1970年就断言：消费已经成为社会文化的核心。随之而来的，有志之士们就更多的将担心转向“文化在糜烂”而不是“文化在枯萎”。接下来我们可以谈谈电影了，因为有人预言：堕落将从电影开始。的确，在一些嗜商行凶的电影人那里，以时尚的名义贩卖，以逃离的姿态介入，穿着自由的外衣操纵，电影被拍得一塌糊涂，观众被愚弄得别开生面。很不幸地，即便如此，我依然相信生活可以去伪存真，美，是有灵魂的，证明她只不过有时需要一点点时间。
现在我要负责任地说：《前往秋天》这部电影很美。一切都源于一场瞬间灾难：那是个炎热的夏日傍晚，玄宇前往和敏珠约好的百货大楼见面，突然大楼崩塌，无数脆弱的生命被埋在了下面……玄宇开始了一个人的蜜月旅程，旅行指南是敏珠遇难留下的“爱的笔记”，玄宇沿着敏珠生前计划的路线开始了原本是两个人一起完成的旅程。生活总会有奇迹出现，玄宇按着这条路线走下去，途中多次和一个女孩不期而遇，她也提到有特别的朋友建议这条路线。敏珠的日记本成为两个人媒介，女孩最终说出那次被埋在废墟下面和另一个女孩相依为命的时光。灾难和不幸摧毁了无数幸福且怀有希望的生命，罹难者的亲人面对剩下的漫长岁月和满目伤痕形同空壳，因为是去爱人而受到的伤，也必须以爱来抚平。幸亏敏珠的记事本，让两个灾后余生的人在前往秋天的一段旅程中慢慢愈合心的伤口，最终行至秋意灿烂的旅行尽头，得以再次心怀感激的注视周围一切。
影片在画面摄制上颇下功夫，沿着韩国七号高速公路风景如画的旅程和残酷的现实废墟形成浓烈的反衬脉络，影片处理的相当精巧，导演没有对政治丑闻、民生疾苦大加控诉渲染，而是从容淡定的将影片重心放在灾难过后心灵重建和生活信心的恢复上，让人爱恨更加分明。影片在悬念制造、情绪铺垫和叙述方式等方面所选择的留白和节奏控制也颇具功力，不愠不火，让人回味良久。
正如日记所说：“我们的心空如沙漠，但是到这次旅程结束的时候，富饶的森林会在我们的心中成长。”
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2007-01-08
苏武令·菊
千年听菊，其香如长笛廖渺，风尚之声因世事潮涨潮退，亘绵不绝。余生九月，属菊。
与梅兰竹，并逞嘉名。曾为陶令解酒，黄巢戴甲，不计如今，壁上枝冷神凝。此生应只如秋月，不因微火负炎精。 春拟就，冬欲堕，一点苍笳破，百草戎装迎得。未遣俗尘，倏然声杳，素涛棹鼓向淡薄。任风尚误，束印封香，独自消磨。
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2007-01-04
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2006-12-30
告诉你一些买碟的知识
我好久没来了，这次不好意思空手来，发一个工具性的东西，以后你买碟的时候可以参考，呵呵。
一般DVD的碟报会包含这样一些内容：出品公司，发行时间，区码，画面比例，音轨，字幕，片长，容量，碟片格式，碟面印刷，片基等。先说一些基本的。DVD的发行时间一般为影片在影院上映后的3个月或者6个月（不过，国内的 中 凯 比较无耻，影片在院线放映的同时，几乎就有所谓的DVD发行了，而这种DVD根本不是真正意义上的DVD，只不过是借助DVD介质制作的视频文件，音画质量都很差，根本达不到DVD的水准）。所以，买碟一定不能急。再比如现在的《无间风云》，因为美国还没出1区的DVD，所以现在市面上的基本都是5区的俄罗斯版，俄罗斯版的英语音轨大多是2.0声道的，画面质量也不如1区版本，所以就得等1区版本面世之后才能买。
画面比例：一般有这么几种：2.35：1—超宽银幕画面（学名我忘记了，总之就是最宽的那类画面，通常好莱坞比较臭屁的片子都是这个比例的）；1.85：1—学院宽银幕画面；1.78：1（16：9）—数字电视屏幕比例；4：3—普通电视屏幕比例。在DVD制作时，1.85：1的电影如果不进行任何剪切，就会在普通电视上得到一个4：3画面（2.35：1的得到的画面会有两个黑条）。所有DVD机在画面格式上都有三个选项：16：9、4：3Letterbox，4：3 Pan & Scan，你可以按照你电视机的种类和观看需要进行选择。
音轨：音轨这个东西弄到DVD上，不是5.1声道都不好意思（老片出外；欧洲2区的除外，比如法国人就经常弄2.0声道的片子）。从声音的压缩技术上，主要分为杜比和DTS两个阵营，杜比的又分为2.0、5.1、5.1EX等很多种，如果音响设备一般的话，那么一般人的肉耳几乎听不出其中的区别。DTS也一样，现在好像有6.1、7.1声道的，听说过没见过，有发烧的嫌疑，现实意义不大。杜比格式的音轨效果还可以，不过层次感不强，如果是战争场面，声源较多的时候，会觉得声音有点乱；DTS则不然，层次感很强，能够更进一步还原现场的声源。不过DTS音轨非常占容量，所以D5因为容量有限，一般都不可能压一个DTS音轨（压了一个DTS音轨的D5，通常都要损失画面的质量），而D9则有这个能力。另外，有些片子会有导演和演员的评论音轨，比如黑客帝国的套装，这些评论音轨很有意思，有时间的话，可以听听。字幕：这也是识别D区（盗自哪个区）的方面之一。比如三区（我们主要关注3区的港台片源）的有普通话版本的中文简体、中文繁体，还有粤语字幕。其他的也有泰文、韩文字幕，对我们来说意义不大，但是有的碟商往往会做假，弄一两个韩文、泰文字幕就标榜三区碟。买的时候要注意。
容量和版本：DVD都有自己的容量，理论上D5是4.7G，D9是8.54G，但实际情况可能会发生变化，所以这些数据仅供参考。比如有的片子本身就不是很长，所以填不满D5。当然有时候同一个片子版本不一样所占的容量也不同，比如剧场版和加长版：剧场版是电影院上映的版本，而加长版则是重新发行的、可能是导演重新剪辑或者未删剪的版本。通常来说，加长版能体现导演的创作本意，更值得收藏，但是加长版一般要遇到一个特殊的时机才会发行，比如周年纪念、或者导演挂了、或者有一个好的噱头了，所以加长版可遇不可求，呵呵。如果急着看片子，拿剧场版就可以了。
碟片格式：现在碟片格式主要是还是D5和D9，传说中的D10和D18基本已经退出市场。碟面印刷：碟面的印刷分两种，一种叫丝网印刷，一种叫柯氏印刷（就是柯达）。丝网的成本低一些，碟面摸在手里会有明先的凹凸感，只适合印一些大面积的色块，柯氏印刷对色彩的表现比较好，现在主流D商基本用柯氏印刷。
片基：在有关片基的说明里，碟报中会写上银白色，或淡黄色。D5是由两张塑料片粘起来的，D9是三张，在粘和的时候，机器会在碟面上点上胶水，然后在高速旋转中铺开，有的碟的中间就会因为不均匀而留下气泡。所以在选碟的时候要仔细看数据面有没有不规则的、异常的图案，如果有，就尽量别买。另外，如果片基不是水平的，那么放到DVD机里之后，就会产生带有偏斜的旋转，我们就会听到机器里发出抖动的声音，这样既影响看碟的心情，也会影响机器的寿命，一定要注意。
烫码—也就是ifpi码，出现在碟的内圈，盗版厂家为了逃避责任往往用胶水抹掉或者刮掉，反正要弄掉，这就是所谓的烫码。有这个码的碟片说明该碟是从国内的一条正版生产线上生产出来的，后面一般还有数字编号，片基的质量应该不错。正版碟片都有这个码，没有被弄掉。补充：好的盗版厂商的片子还是有鉴别的规律的。比如内圈、外圈是否圆滑，印刷是否精致，是否有错别字，是否以次充好（比如明明是枪版，却非要标上“1区版”之类的无耻行径）。总之：买到好碟，需要不断积累经验，买的多了，自然就会掌握一套行之有效的鉴别方法。 -
2006-12-22
「Shakespeare in Love」——莎翁的时代
我为了尽可能全面并更深入的解读「Shakespeare in Love」（莎翁情史），查阅了一些伊丽莎白一世时代的背景资料，我认为，这是一件有帮助的事情。经过这些资料的收集，我将原来文章的名字《「Shakespeare in Love」———如16世纪夜的味道》改成了《「Shakespeare in Love」———如中世纪黎明前夜的味道》，并且删掉了“伊丽莎白一世时代，那是一个利益毒蚀艺术的时代，是一个女王独裁的时代，是一个暴力泛滥而且妇女没有自由的时代，但同时也可能是真爱至上的时代。”这样纯粹感性的带有煽动味道的评论。
莎士比亚（1554——1616年）正是在伊丽莎白一世（1533——1603年）统治的全盛时期成名，兼演员、剧作家和股东于一身。对伊丽莎白一世较为公正的评价是，她的确是位专制君主，但也是位开明的女王，她聪
有必要做出说明的是，封建制度在欧洲和在中国有着明显的不同，在中国意味着专制和集权，意味着“普天之下，莫非王土，率土之宾，莫非王臣”，而在欧洲以“庄园”为单位的统治却意味着分权，庄园主对自己的庄园土地和人口有绝对的权利，君主的统治必须经过议会，而且没有法院的判决不能削夺私有财产，即所谓的“王在法下”和“王在议会”，这种默契最终在1688年通过“光荣革命”确立了“君主立宪制”，是英国最早走出中世纪，奔向现代社会的政治基础。
莎士比亚所处的英国伦敦，冉冉升起，正成为当时欧洲坚强有力的心脏。当时的世界格局是，葡萄牙和西班牙的战舰正在下沉， “海上马车夫”荷兰即将被英国替代，强大的法国只是陆地的霸主，德国和意大利还在四分五裂，俄国的彼得大帝正在忙于战争，中国还徘徊在农业文明的明清王朝更替中，日本正被幕府统治紧紧束缚，美国还没有诞生。
威廉莎士比亚所处的英国社会的确是“一个利益至上的社会，也是一个暴力泛滥而且妇女没有权利的社会”，但同时也是当时世界上最容忍个人意志的社会，因此莎士比亚的剧本里可以有“脆弱啊，你的名字是女人！”这样的台词，而伊丽莎白女王就在舞台对面的包厢里看戏。所以，也很容易理解电影「Shakespeare in Love」中薇奥拉男装演戏被揭穿后，女王可以将错就错不予追究，但必须要按约定嫁给去殖民地统治的庄园主，这就是伊丽莎白式的政治平衡。同时，也说明契约和法制观念对民众的意识影响之深。
或许因此，我们还理解了制片人哈维·温斯坦因的话：“这是一部生活与艺术的影片。对我来说，艺术与生活结合在一起的力量是无穷的。”
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2006-12-21
「Shakespeare in Love」———如中世纪黎明前夜的味道
从没人把这究竟是消失的真相还是谎言的力量作为评价标准。这部电影就像中世纪黎明前夜的味道，秘密，浓烈，渴望真实，却又迷失其中。
威廉·莎士比亚18岁结婚，并有三个子女,但自1585年至1592年这段期间，没有找到莎士比亚的记录，直到1592 年，他在伦敦担任演员和剧作家，1593年他出版多首十四行诗，1594年，40岁的莎士比亚完成了伟大的「罗密欧与茱丽叶」。到底「罗密欧与茱丽叶」的悲剧故事有无原型，他的灵感来自何处？直到莎翁于1616年四月去世，人们都没有找到任何证据解开谜雾。「Shakespeare in Love」（「莎翁情史」）的故事背景即定在扑朔迷离的1593年夏天，伦敦玫瑰剧场的剧作家威廉·莎士比亚因没有写作的灵感而陷入生活的低谷，不但要面临玫瑰剧场的对手剧作家马洛的压力，而且他还要面对濒临破产并遭到逼债的剧院老板每天游魂般地催稿。莎士比亚指望从女友罗萨琳那里得到一些创作激情，孰料所托非人，失望之下，威廉烧掉了「罗密欧与海盗之女埃斯尔」的剧本草稿，这就是「罗密欧与茱丽叶」的雏形。
然而在接下来的一次选角中，威廉找到了理想的演员肯特，实际上是贵族之女薇奥拉为圆一个不为人知的梦想——成为一名演员而女扮男装来到玫瑰剧场，因为那个时代，女人不许演戏。不过年轻的莎翁很快就发现她是自己一见倾心的女人，当爱情来临，莎士比亚灵感泉涌，薇拉成为他生命中的茱丽叶。莎士比亚的爱情感受和遭遇成就了不朽的「罗密欧与茱丽叶」，他和薇拉的演绎也赋予了这段爱情故事最原始的灵魂。
基于这种大胆的想象，马克·诺曼和汤姆·斯托帕德写出了这个关于真爱诞生的浪漫而坚强的悲剧故事，叙述这位伟大的剧作家如何释放自己躁动的灵魂并如何创作出有关浪漫爱情的峰颠之作。「Shakespeare in Love」（「莎翁情史」）的制片人哈维·温斯坦因说的：“这是一部生活与艺术的影片。对我来说，艺术与生活结合在一起的力量是无穷的。”
不能不说「Shakespeare in Love」（「莎翁情史」）尽可能忠实的向我们描绘了伊丽莎白一世时代的原貌，展示了那个时代的各种美丽服装，而且为了符合影片的时代背景，剧组搭建了伊丽莎白时期伦敦的古典建筑，造出了37栋楼，包括拱形剧院。
影片男主角约瑟夫·费因斯是英国皇家莎士比亚剧团的著名演员，他几乎演遍了莎翁所有的名剧，被本片导演麦登誉为"血液里都是莎士比亚的演员"，与他搭档的女星是米拉麦克斯公司的台柱名星格维妮斯·帕尔特洛，影片不负众望一举获得了13项71届奥斯卡金像奖提名，并最终获最佳影片、最佳女主角、最佳女配角、最佳美术指导、最佳服装设计、最佳原著剧本、最佳电影配乐等七项大奖。很多影评说这是一个经典的爱情喜剧片，或许是因为电影亦庄亦谐的拍摄手法，跌宕起伏的故事情节，柏拉图式的爱情结局，虽然是商业电影模式的催眠，但也不乏振聋发聩之声。然就我而言，我认为或许这部完美的商业电影已经无可诟病，但因此她刚好和不朽擦肩而过。
但若不去细寻这遗憾的原因，单单体味我看这部电影时的紧迫和投入，并且若我从来不觉得严肃的生活态度是唯一真理的话，「Shakespeare in Love」（「莎翁情史」）是部符合我们生活时代和生活方式的好电影，令人遗憾的是没有令人满意的中译名字，「莎翁情史」太过媚俗，「爱中的莎士比亚」和「写我深情」虽然要好一点点，但忽略了“至爱诞生”（潦倒的莎士比亚遇到了爱情并成就了爱情的至峰之作「罗密欧与茱丽叶」）的激情和碰创。看来有一个好名字，也像「罗密欧与茱丽叶」的由来一样，是一件可遇而不可求的事情。
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2006-12-14
新浪潮电影 之 香江潮回
新浪潮 （New Wave），原本是没有严格界定的新闻性用语，最早用到电影上，是指1958与1959年间一批法国新导演所拍摄的格调清新，频频获奖的首部作品。后被固定化，概括了法国1950年代末、1960年代初期的新电影制作与创作倾向，崇尚个人独创性，并用其作品体现「作者论」的风格主张，不论是题材还是技法都与传统电影大相径庭。混合利用传统电影类型与好莱坞导演风格，来实验剪接与结构上的新形式。由于重视拍摄的自由度，往往只凭纲要性的脚本拍摄，喜欢即兴与自发的拍摄方式。而其主题上则带有存在主义的色彩，如《广岛之恋》就是这类影片。
新浪潮这个词自从1950年代末至1960年代初与法国结缘后，常被拿来形容其他国家新兴的电影制作活动和电影复兴现象。如捷克、匈牙利的新电影，1960年代的波兰与1970年代的德国新电影。从整个电影史来看，几乎每个国家的电影革命，都是因其电影的“新浪潮”而得到飞跃，例如由特吕佛、戈达尔等掀起的法国电影新浪潮，或者意大利新现实主义电影运动，都是电影发展的革命转折。由1979年开始的香港电影新浪潮运动，虽不能和“电影革命”相提并论，但它仍然值得被记录于中国电影的史册，原因在于它多少扭转了一些香港电影的创作方向，并为香港电影之后几年进入全盛期做了准备。
香港“新浪潮”电影的源起是一班在电视台出身的年轻导演各自开始拍摄风格新颖的电影。1978年，严浩拍摄了《茄喱啡》，1979年是很重要的一年，涌现出章国明的《点指兵兵》、徐克的《蝶变》、许鞍华的《疯劫》和翁维铨的《行规》，1980年，谭家明拍摄了《名剑》。
上世纪70年代中、末期，香港的电影工业正处于低潮，香港电影当时的衰落，是因为香港电影长期以来被邵氏、国泰等大公司垄断，电影技术的革新非常缓慢，类型单一，文化和艺术成就不被重视。这股新浪潮大胆地引入西方电影的技巧和影视理念，令电影工业更加技术化，专业化，并敏锐地关注现实，在香港本土类型题材的基础上注入了当代都市意念。至于在艺术成就上，香港的新浪潮导演却很遗憾的未能走出商业类型片的框框，他们只是对商业电影作出改良，而非革命。
这些影人中许鞍华的电影悲剧美学的力度最深，她在传统题材上探讨新的东西，在外国电影的经验上发掘属于本土的东西，尤其从《投奔怒海》中能够很强烈感受到；而徐克的《蝶变》是把旧式武侠片类型推到未来世界，但又不是西方科幻电影的方式，他把武侠片放在了一个“不存在的时空”里，后来他一直对于这种尝试有延续；方育平继承了上世纪四五十年代的那种“写实主义”，在剧情外放入历史反省，《父子情》、《半边人》、《美国心》都有他把艺术与人生放在一起思考的梦想，这在以前的粤语片中是没有的；严浩是他们几个人中最有中原情结的，从1978年的《茄哩啡》到1984年《似水流年》再到1990年的《滚滚红尘》，他似乎摸索了很久才有一些结结实实的作品出来。
回望新浪潮之后的鼎盛，也自然让人反思香港电影的现状，港产电影的沉静如今已是有目共睹，看来，香港电影该是迎接下一个浪潮的时刻了！
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2006-12-11
映像之手——讲述特里•吉列姆 Terry Gilliam
“幻想电影家” 特里·吉列姆富有个性，我看过他的四部影片《12只猴子Twelve Monkeys》、《妙想天开Brazil》、《巨蟒与圣杯Monty Python and the Holy Grail》和《时光大盗Time Bandits》，几乎没有一部和我们生活的实在有关，但几乎都深刻的预言或调侃了我们生活的时代。至于吉列姆本人，据说最初他因为看不惯美国的生活而移居英国，加入“巨蟒与圣杯”小组后，放弃美国国籍转入英国国籍。很好的注解是：他对机械工业和信息时代的秩序总是看不惯（一如《12只猴子》《妙想天开》），却心怀自由的畅想（一如《时光大盗》《巨蟒与圣杯》）。
吉列姆的电影到处充满幻想，与其说是奇幻影片，莫不如说是关于社会发展的“寓言”或是心理释放的“童话”。如《妙想天开》这部关于社会形态的幻想作品，是特里·吉列姆早期名作之一，如同奥威尔的《1984》，营造出一个高度集权但又令人呆板无比的未来世界，这个秩序无处不在的世界，井井有条却在扼杀人性扼杀幻想，但复杂的秩序背后却是不堪一击的机器系统。吉列姆安排了不失黑色幽默各种细节：影片开始一只甲虫飞进打字机，造成案件处理系统出错，于是一宗冤案产生了；一根皮管子就把咨询总局的文件传递系统搞垮；按照号码来点餐的客人，得到的永远是同一种食物，只是颜色的变化而已；眼前是惨烈的打斗，而清洁工人仍旁若无人的打扫大厅，实在是把秩序从各个角度狠批了一番。
《巨蟒与圣杯》以调侃的方式讲述了阿瑟王和圆桌武士们在寻找圣杯的过程中，经历的种种趣事，影片充斥着幻想和搞笑，无厘头的风格更是我所见电影的开山之作，从片头字幕开始便显出整部电影的基调，让人开心不已。片中的不少桥段都让我想到《东成西就》和周星驰的电影，这部特里·吉列姆的成名作，作为唯一一部无厘头喜剧被列入全球电影top榜单的前50名，还是名不虚传的。
新近，吉列姆作为《地震调音师》的制片人，应该还会给人耳目一新的感觉吧。
特里·吉列姆作品年表：
《涨潮海岸》Tideland (2005)
《格林兄弟》The Brothers Grimm（2005）
《恐惧拉斯维加斯 》Fear and Loathing in Las Vegas （1998）
《赌城情仇》Fear and Loathing in Las Vegas (1997)
《十二只猴子》Twelve Monkeys (1995)
《天涯伦落两心知》The Fisher King (1991)
《终极天将》The Adventures of Baron Munchausen (1988)
《妙想天开》Brazil (1985)
《人生七部曲》The Meaning of Life (1983)
《时光大盗》Time Bandits (1981)
《布莱恩的一生/万世魔星》 Life of Brian（1979）
《巨蟒与圣杯》Monty Python and the Holy Grail (1976)
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2006-12-07
映像之手——讲述大卫•林奇（David Lynch）
《看电影》杂志介绍大卫·林奇时谈到《
史崔特先生的故事》，有类似这样的一段话：难以想象如此干净、如此质朴的影片竟然是出自一位以华丽诡异、黑色风格而闻名的导演之手。当时本人还没有接触到林奇的电影，之后相继找到了《穆赫兰道》(DR. Mulhollad)和《 史崔特先生的故事》(The Straight Story)，一见倾心。 林奇的影片他往往在公路片的形式格局中，这两部影片虽然风格迥异，但也都和公路有关。《穆赫兰道》在现实与超现实之间的游走，奇异、极具视觉冲击力的影像，使他的这部作品散发出独特的“林奇风格”；《
史崔特先生的故事》没有隐晦的暗喻，没有惊心动魄的场面，自始自终都流淌着感人的温情，让人们看到林奇那少有的安静的一面。 《穆赫兰道》是林奇自己觉得最满意的作品。但这绝对不是一部通俗易懂的电影，散乱的桥段和来回穿插的镜头，像涂料和油彩甩到后现代画家的画板上，轮廓一点一点地清晰，物象一点一点成型，必须一遍一遍反复留意那些看似毫不相干的细节，像是竭力拼凑记忆的碎片，如果有非凡的想象力而且脆弱得容易入戏，那神秘深邃的主题像致命的漩涡一样，让你焦虑，让你郁闷，让你疯狂，游弋在黑色的超现实主义和唯美的虚幻风格里，无法自拔。
《
史崔特先生的故事》是反个人风格化的一部作品，甚至无法认为这是林奇的作品，平平淡淡，一路下来却让你感动的乱七八糟：一位退伍老兵执着的驾着除草机去看望自己远方的兄弟，一路上，夜空下，麦田旁，追忆着往事和与路人交谈，在史崔特满是皱纹的脸上，见不到人性的虚伪和掩饰，只有岁月刻下的睿智和真诚，强烈的宽恕主题，使我们知道，原来每个严肃真诚的对待生活的人都可以拥有自己的天堂。 大卫·林奇这样评价自己的电影：用57秒来成长和燃烧，之后用3秒钟喘息！
或许是他在深渊和平原之间找到了完美的平衡，他的作品足以让我们窒息暴躁，也足以将我们感动得一塌糊涂。
大卫·林奇主要作品年表：
《橡皮头》(Eraser Head )(1976年)
《象人》(The Elephant Man)(1980年)
《沙丘》(Dune)(1984年)
《兰色的天鹅绒》(Blue Velvet)(1986年)
《双峰》(1，2)(Twin Peaks)(1989年，1992年)
《我心狂野》(Wild At Heart )(1990年)
《卢米埃尔和他的伙伴们》(Lumiere＆Company)(1995年)
《迷失公路》(Lost Highway)(1997年)
《斯特莱特的故事》(The Straight Story)(1999年)《穆赫兰道》(DR. Mulhollad)(2001年)
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2006-12-06
映像之手——讲述蒂姆.伯顿(Tim Burton)
鬼怪倒被人整得无处申冤；机器人的爱情凄切缠绵更甚于人；科幻片相融卡通造型与政治讽喻；严密的科学论断则得出骇人的灵异答案……奇异迭出、反转视角是他的标志性风格。
蒂姆·伯顿，1958年生于美国加州洛杉矶，毕业于加利福利亚州艺术学院。
《甲壳虫汁》（Beetlejuice）是蒂姆·伯顿第一部里程碑式的作品。这部“cult”（一般来讲都把这位仁兄称为焕发好莱坞B级片的鬼才）电影中散发出的机智与诡异使它成为类型电影中的另类经典。而蒂姆·伯顿则因此顺势成为执导好莱坞片商业大制作的理想人选。
蒂姆·伯顿最重要的影片当属1990年的《剪刀手爱德华》（Edward Scissorhands），影片虽然是讲述一个不容世俗的爱情故事，但蒂姆·伯顿用他擅长的叙述方式和独特的声光构图打动观众，依旧是因阴冷的色调，依旧是神经质的情绪，这份爱情却让人为之动容。蒂姆·伯顿也开始将精力更多的从炫耀夺目画面投入到心理表达和道德关注上。
蒂姆·伯顿1994年的作品《艾德伍德》（Ed Wood）曾被评为当年最佳影片之一，这部影片并没玩弄他一惯喜欢的造型和构图，不过却一如既往地尖辣和幽默，剧情关注的是双性恋和异装癖等社会边缘人群，对主流社会而言，他的影片描写的主题和角色是令人不安甚至是不快的，他以此来嘲笑大众文化所谓的“品味”甚至“艺术”。
之后，或许是为了缓和紧张气氛，1996年的《火星人玩转地球》轻松戏谑的调侃了一把科幻片，也是蒂姆·伯顿对五六十年代涣滥的外星人入侵题材影片的致敬之作，他就是看着那些影片长大的。
我认为《沉睡谷》（Sleepy Hollow又译《断头谷》）是最为蒂姆·伯顿的作品，声光图影、叙事情感都堪称上乘，该片有如诗如画的古典摄影手法，鬼斧神工的特技处理效果，约翰尼·德普独具气质的表演，不仅令票房大火，而且还获得了奥斯卡最佳艺术指导奖，这也是我最喜欢的电影之一。
在《大鱼》这部感人至深的电影里，导演蒂姆·波顿再次施展他超凡的想象力（就像奇幻的万花筒），带我们进入了一对父子的内心世界。影片对认为活着就是受罪这样的世界观绝对是一种颠覆。很多人对这部电影的评价是：如果不是和自己的爱人一起去看，那么就找一个自己想爱的人去看。
当然在《骷髅新娘》之后，蒂姆·波顿还在继续，还会继续……
以下因为“头文字W”和“不荒之田”的评语补遗：
《圣诞城之夜》这部片子我没看过，据说这是部招人喜欢木偶动画片。
讲述一个难以称之为“童话”的，带着恐怖片色彩故事。万圣节城的领导者骷髅杰克厌倦了每年万圣节到处制造恐怖的生活，喜欢上每年圣诞节到处分发礼物的工作，于是绞尽脑汁研究圣诞节，甚至绑架了“圣诞老人”，并开始按照圣诞节的规矩满怀兴奋的发送礼物，却因为坏名声引起人们的极大恐慌，一场“好心办坏事”的故事离奇好笑。
影片还有百老汇歌剧的风格，大部分对白是演唱出来的，一本正经而又略带诙谐的演唱风格结合阴沉而可笑的画面，使影片更加古怪有趣。
蒂姆·伯顿作品年表：
2006年 《骷髅新娘》Corpse Bride
2005年 《查理和巧克力工厂》Charlie and the Chocolate Factory
2003年 《大鱼》Big Fish
2001年 《决战猩球》Planet of the Apes
1999年 《断头谷》Sleepy Hollow
1996年 《火星人玩转地球》Mars Attacks!
1994年 《艾德·伍德》Ed Wood1993年 《圣诞城之夜》The Nightmare Before Christmas
1992年 《蝙蝠侠2》Batman Returns
1990年 《剪刀手爱德华》Edward Scissorhands
1989年 《蝙蝠侠》Batman
1988年 《甲壳虫汁》(哗鬼家族)Beetlejuice
电影语生活【当电影遇见生活@载酒江湖】
就像思维遇到语言，泛着生活的香味
